Тема лекции: Западная цивилизация в 1-й половине 20 века. Искусство и архитектура. Часть 1.

Много материала, поэтому разобью тему на несколько постов, очень уж объёмные и много графики, неудобно читать.

Основные направления в искусстве и культуре в период между I и II Мировой войнами:

Дадаизм, или дада - модернистское течение в литературе, изобразительном искусстве, театре и кино. Зародилось во время Первой мировой войны в нейтральной Швейцарии, в Цюрихе. Существовало с 1916 по 1922 г.

Дадаизм наиболее ярко выразился в отдельных скандальных выходках - заборных каракулях (корни современных граффити ), псевдочертежах, не имеющих никакого смысла, комбинациях случайных предметов. В 1920-е годы французский дадаизм слился с сюрреализмом , а в Германии - с экспрессионизмом .

Происхождение термина

Основатель течения поэт Тристан Тцара обнаружил в словаре слово "дада" . "На языке негритянского племени Кру, - писал Тзара в манифесте 1918 года, - оно означает хвост священной коровы, в некоторых областях Италии так называют мать, это может быть обозначением детской деревянной лошадки, кормилицы, удвоенным утверждением в русском и румынском языках. Это могло быть и воспроизведением бессвязного младенческого лепета. Во всяком случае - нечто совершенно бессмысленное, что отныне и стало самым удачным названием для всего течения".

Характеристика

Дадаизм возник как реакция на последствия Первой мировой войны , жестокость которой, по мнению дадаистов , подчеркнула бессмысленность существования . Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Исходя из этого, дадаисты (в частности, А. Бретон ) считали, что современную европейскую культуру необходимо уничтожить через разложение искусства (в частности, художественного слова и языка).

Главной идеей дадаизма было последовательное разрушение какой бы то ни было эстетики . Дадаисты провозглашали: "Дадаисты не представляют собой ничего, ничего, ничего, несомненно, они не достигнут ничего, ничего, ничего".

Основными принципами дада были иррациональность, отрицание признанных канонов и стандартов в искусстве, цинизм, разочарованность и бессистемность. Считается, что дадаизм явился предшественником сюрреализма , во многом определившим его идеологию и методы.

Главным образом дадаизм представлен в литературе, но также получил некоторое отражение в кинематографе.

Представители дадаизма

Ханс Арп (Hans Arp, 1886—1966) , Германия, Швейцария и Франция
Марсель Дюшан (Marcel Duchamp, 1887—1968) , Франция
Макс Эрнст (Max Ernst, 1891—1976) , Германия и США
Отто Фрейндлих (Otto Freundlich, 1878—1943) , Германия, Франция
Филипп Супо (Philippe Soupault, 1897—1990) , Франция
Тристан Тцара (Tristan Tzara, 1896—1963) , Франция
Хуго Баль (Hugo Ball, 1886—1927) , Германия
Рауль Хаусманн (Raoul Hausmann, 1886—1971) , Германия
Курт Швиттерс (Kurt Schwitters, 1887—1948) , Германия

Кубизм (фр. Cubisme) - авангардистское направление в изобразительном искусстве, прежде всего в живописи, зародившееся в начале XX века и характеризующееся использованием подчеркнуто геометризованных условных форм, стремлением "раздробить" реальные объекты на стереометрические примитивы.

Возникновение кубизма

Возникновение кубизма традиционно датируют 1906-1907 г. и связывают с творчеством Пабло Пикассо и Жоржа Брака . Термин "кубизм" появился в 1908 г., после того как художественный критик Луи Восель назвал новые картины Брака "кубическими причудами" (фр. bizarreries cubiques).

Начиная с 1912 г. в кубизме зарождается новое ответвление, которое искусствоведы назвали "синтетическим кубизмом" . Простую формулировку основных целей и принципов кубизма дать довольно трудно; в живописи можно выделить три фазы этого направления, отражающие разные эстетические концепции, и рассмотреть каждую в отдельности: сезанновский (1907-1909), аналитический (1909-1912) и синтетический (1913-1914) кубизм .

Крупнейшие достижения

Наиболее известными кубистическими произведениями начала XX века стали картины Пикассо "Авиньонские девицы", "Гитара" , работы таких художников, как Хуан Грис, Фернан Леже, Марсель Дюшан , скульптуры Александра Архипенко и др. Кубизм развивался и за пределами Франции; особенно плодотворно - в Чехословакии.

Сезанновский кубизм

Так обычно называется первая фаза кубизма , для которой характерна склонность к абстракции и упрощению форм предметов . По словам одного из первых исследователей современного искусства Андре Сальмона , кубизм явился реакцией на отсутствие формы в импрессионизме , а его развитие обязано идеям постимпрессионистов , особенно художников-символистов , которые противопоставили чисто живописным целям и интересам импрессионистов явления смыслового порядка. Следуя трансцендентализму конца 19 в., они утверждали, что настоящей реальностью обладает идея, а не ее отражение в материальном мире. Роль художника, таким образом, состоит в том, чтобы создавать символические формы для воплощения идей, а не имитировать изменчивый облик вещей. Эта концепция стала поводом к анализу средств, находящихся в распоряжении художника, выяснению их выразительных возможностей и утверждению идеала чисто экспрессивного искусства, подобно музыке мало зависящего от внешнего мира. У символистов эксперименты в этой области в первую очередь относились к линии и цвету, но такой аналитический подход, однажды примененный, неизбежно привел и к анализу формы .

Непосредственное влияние на формирование кубизма оказали эксперименты с формой в живописи Поля Сезанна . В 1904 и 1907 в Париже прошли выставки его работ. В "П ортрете Гертруды Стайн ", созданном Пикассо в 1906, уже чувствуется увлечение искусством Сезанна . Затем Пикассо написал картину "Авиньонские девицы" , которая считается первым шагом на пути к кубизму . В ней, вероятно, воплотился интерес художника к примитивной иберийской и негритянской скульптуре. В течение 1907 и в начале 1908 Пикассо продолжал использовать в своих работах формы негритянской скульптуры (позднее это время стали называть "негритянским" периодом в его творчестве).

Осенью 1907 произошли два важных события: ретроспективная выставка Сезанна и знакомство Брака и Пикассо . Лето 1907 Брак провел в Эстаке, где увлекся живописью Сезанна . С конца 1907 Брак и Пикассо начали работать в кубистическом стиле .

Кубисты , находившиеся под сильным влиянием некоторых постулатов, сформулированных Сезанном и опубликованных Эмилем Бернаром осенью 1907, стремились выявить простейшие геометрические формы, лежащие в основе предметов . Чтобы полнее выразить идеи вещей, они отвергли традиционную перспективу как оптическую иллюзию и стремились дать их всеобъемлющее изображение посредством разложения формы и совмещения нескольких ее видов в рамках одной картины. Повышенный интерес к проблемам формы привел к разграничению в использовании цветов: теплые - для выступающих элементов, холодные - для удаленных.

Аналитический кубизм

Аналитический кубизм , вторая фаза кубизма , характеризуется исчезновением образов предметов и постепенным стиранием различий между формой и пространством. В картинах этого периода появляются переливчатых цветов полупрозрачные пересекающиеся плоскости, положение которых четко не определено. Расположение форм в пространстве и их отношение к крупным композиционным массам постоянно меняется. В результате возникает визуальное взаимодействие формы и пространства.

Элементы аналитического кубизма появились в работах Брака уже в 1909, а в произведениях Пикассо - в 1910; однако более сильный импульс развитию этой фазы стиля дало художественное объединение "Золотое сечение" , которое основали в 1912 Альбер Глез, Жан Метценже и братья Марсель Дюшан, Раймон Дюшан-Вийон и Жак Вийон . В том же году вышла книга Глеза и Метценже "О кубизме" , а в 1913 поэт Гийом Аполлинер опубликовал книгу "Художники-кубисты" . В них были изложены основные принципы эстетики кубизма , в основе которой лежала концепция динамического, постоянно изменяющегося универсума Анри Бергсона , а также открытия естественных наук и математики, сделанные на заре индустриальной эпохи. Художнику отводилась роль создателя нового способа видения мира.

Синтетический кубизм

Синтетический кубизм отметил радикальное изменение в художественном восприятии движения. Впервые это проявилось в произведениях Хуана Гриса , который стал активным приверженцем кубизма с 1911. Синтетический кубизм стремился обогатить реальность созданием новых эстетических объектов, которые обладают реальностью сами по себе, а не являются лишь изображением видимого мира. Для этой фазы стиля характерно отрицание значимости третьего измерения в живописи и акцентирование живописной поверхности . Если в аналитическом и герметическом кубизме все художественные средства должны были служить созданию изображения формы, то в синтетическом кубизме цвет, фактура поверхности, узор и линия используются для конструирования (синтезирования) нового объекта. Первые признаки этого направления наметились уже в 1912, но наиболее полное воплощение оно получило в коллажах 1913. На холст наклеивались разных очертаний и фактуры фрагменты бумаги - от газет и нот до обоев. Художники утверждали, что поверхность картины представляет собой не иллюзорное воспроизведение реальности, а самодостаточный объект. Вскоре, однако, кубисты оставили технику аппликации , потому что, как им казалось, фантазия художника может создавать более богатые комбинации элементов и фактур, не ограничиваясь возможностями бумаги.

К 1920-м годам кубизм практически окончил свое существование, оказав заметное влияние на развитие искусства 20 в.

Метафизическая живопись

Метафизическая живопись (итал. Pittura metafisica) - направление в итальянской живописи начала XX века.

Де Кирико и формирование группы

Родоначальником метафизической живописи является Джорджо де Кирико , который еще в период своего пребывания в Париже в 1913-1914 годах создавал пустынные городские пейзажи , предвосхищавшие будущую эстетику метафизизма ; его серия "Площади Италии" придавала фантастическое измерение условной итальянской классической архитектуре, воссозданной им на картинах. В 1915 году Италия вступила в первую мировую войну, художник вынужден был вернуться в Феррару, где ожидал мобилизации. Формирование группы художников, исповедовавших эстетику метафизизма , произошло в 1916 году, когда в госпитале в Ферраре сошлись судьбы Джорджо Де Кирико , порвавшего с футуризмом Карло Карра , Филиппо де Писиса и младшего брата Де Кирико, Андреа, который взял себе псевдоним Альберто Савинио . В 1920х годах к ним ненадолго присоединился Джорджо Моранди .

Эстетика

В метафизической живописи метафора и мечта становятся основой для выхода мысли за рамки обычной логики , а контраст между реалистически точно изображенным предметом и странной атмосферой, в которую он помещен, усиливал ирреальный эффект.

Метафизическое движение родилось на основе этого нового подхода к живописи, и в 1916-1922 годах объединило художников и писателей вокруг журнала "Valori Plastici" (Пластические ценности) , в котором была опубликована серия теоретических работ Де Кирико и Савинио , посвященных метафизической живописи. В своей работе "Анадиомен" Альберто Савинио формулирует два основных принципа метафизической поэтики: "призрачность" и "ирония" . Тема "манекена" , которая становится лейтмотивом картин Де Кирико и Карра , также впервые появилась в записях Савинио . Метафизическая живопись опиралась на образы предшествующего искусства , и включала в себя различные культурные элементы прошлого . Савинио и Де Кирико испытывали явное влияние неоклассической живописи Арнольда Бёклина; Карло Карра , отошедший от футуристических экспериментов, вернулся к старинной классической традиции - живописи треченто и кватроченто (это видно у него в построениях перспективы в пейзажах). Известный итальянский искусствовед Роберто Лонги как-то остроумно подметил, что "кватроченто стало для метафизических марионеток и каменных гостей оперной сценой" . Художники стремились найти метафизическую грань между миром живого и неживого , поэтому в их картинах живое похоже на неодушевленное , а неодушевленные предметы живут своей тайной жизнью. Вообще "тайна" - любимое слово Джорджо Де Кирико .

Две тенденции

В метафизическом движении выделились две тенденции: одна особенно богата символическими и литературными смыслами и реминисценциями (Де Кирико, Савинио) , вторая менее доктринерская, но более обусловленная живописной фантазией (Карра, Моранди) . Движение не создало ни своей школы, ни определенной группы, оно скорее было реакцией на футуризм , выражением его кризиса, и именно в этом качестве имело влияние в Италии, где схожую эстетику в это время стали исповедовать некоторые другие художники (Марио Сирони, Арденго Соффичи, Массимо Кампильи, Атаназио Сольдати) , а также во всей Европе.

Конец школы

Метафизическое движение довольно быстро сошло со сцены. Последнюю картину в этом стиле Де Кирико написал в 1918 году, Моранди в 1920, а Карра в 1921. Однако ряд идей метафизиков были подхвачены сюрреалистами . Метафизическому движению в живописи были посвящены две большие выставки в Германии, состоявшиеся в 1921 и в 1924 годах.

Работы метафизических художников особенно полно представлены в миланских музеях и частных собраниях (собрания Юккера, Тонинелли, Маттиоли); в Лондоне (собрание Роланда Пенроуза) ; в Нью-Йорке (Музей современного искусства) ; в Чикаго (Художественный институт) ; в Стокгольме (Национальный музей) и в Венеции (фонд Пегги Гугенхейм).


Группа "Стиль"

Экспрессионизм (от лат. expressio, "выражение") - авангардистское течение в европейском искусстве, получившее развитие в конце XIX - начале XX века, характеризующееся тенденцией к выражению эмоциональной характеристики образа(ов) (обычно человека или группы людей) или эмоционального состояния самого художника. Экспрессионизм представлен во множестве художественных форм, включая живопись, литературу, театр, кинематограф, архитектуру и музыку.

"Экспрессионизм как одно из наиболее влиятельных художественных движений XX века формировался преимущественно на немецкой и австрийской почве. Возникнув в изобразительном искусстве (группы "Мост", 1905; "Синий всадник", 1912), он обрел свое имя лишь в 1911 году по названию группы французских художников, появившихся на выставке берлинского Сецессиона. Тогда же понятие "экспрессионизм" распространилось на литературу, кино и смежные области творчества в качестве обозначения системы, в которой в противовес натурализму и эстетизму утверждается идея прямого эмоционального воздействия, подчеркнутой субъективности творческого акта, повышенной аффектации, сгущения мотивов боли, крика, и, таким образом, принцип выражения преобладает над изображением".

Предпосылки возникновения и происхождение термина

Считается, что экспрессионизм зародился в Германии, и важную роль в его становлении сыграл немецкий философ Фридрих Ницше , привлекший внимание к незаслуженно забытым ранее течениям в античном искусстве. В книге "Рождение трагедии или Эллинство и пессимизм" (1871) Ницше излагает свою теорию дуализма , постоянной борьбы между двумя типами эстетического переживания, двумя началами в древнегреческом искусстве, которые он называет аполлоническим и дионисийским . Ницше спорит со всей немецкой эстетической традицией, оптимистически трактовавшей древнегреческое искусство с его светлым, аполлоническим в своей основе началом. Он впервые говорит о другой Греции - трагической, опьяненной мифологией, дионисийской , и проводит параллели с судьбами Европы. Аполлоническое начало являет собой порядок, гармонию, спокойный артистизм и порождает пластические искусства (архитектура, скульптура, танец, поэзия) , дионисийское начало - это опьянение, забвение, хаос, экстатическое растворение идентичности в массе, рождающее непластическое искусство (прежде всего музыка). Аполлоническое начало противостоит дионисийскому как искусственное противостоит естественному, осуждая все чрезмерное, непропорциональное. Тем не менее, эти два начала неотделимы друг от друга, всегда действуют вместе. Они борются, по мнению Ницше , в художнике, и всегда оба присутствуют в любом художественном произведении.

Под влиянием идей Ницше немецкие (а вслед за ними и другие) художники и литераторы обращаются к хаосу чувств , к тому, что Ницше называет "дионисийским началом" . В наиболее общем виде термин "экспрессионизм" относится к произведениям, в которых художественными способами выражены сильные эмоции , и само это выражение эмоций, общение посредством эмоций становится основной целью создания произведения.

Полагают, что сам термин "экспрессионизм" был введен чешским историком искусств Антонином Матешеком в 1910 году в противоположность термину "импрессионизм" : "Экспрессионист желает, превыше всего, выразить себя... <Экспрессионист отрицает...> мгновенное впечатление и строит более сложные психические структуры... Впечатления и умственные образы проходят через человеческую душу как через фильтр, который освобождает их от всего наносного, чтобы открыть их чистую сущность <...и> объединяются, сгущаются в более общие формы, типы, которые он <автор> переписывет их через простые формулы и символы".

Экспрессионизм в архитектуре

Крупнейшие представители - Эрих Мендельсон , финны Эро Сааринен и Алвар Аалто ; ключевые произведения - Сиднейский оперный театр (арх. Йорн Утцон) и Олимпийский центр в Токио (арх. Кендзо Танге) .

Представители экспрессионизма

Изобразительное искусство

Ханс (Жан) Арп (1887—1966)
Александр Архипенко (1887—1964)
Эрнст Барлах (1870—1938)
Макс Бекман (1884—1950)
Жорж Грос (1893—1959)
Отто Дикс (1891—1969)
Генрих Кампендонк (1889—1957)
Василий Кандинский (1866—1944)
Эрнст Людвиг Кирхнер (1880—1938)
Пауль Клее (1879—1940)
Оскар Кокошка (1886—1980)
Альфред Кубин (1877—1959)
Август Маке (1887—1914)
Франц Марк (1880—1916)
Амедео Модильяни (1884—1920)
Эдвард Мунк (1863—1944)
Отто Мюллер (1874—1930)
Эрнст Вильгельм Най (1902—1968)
Эмиль Нольде (1867—1956)
Макс Пехштейн (1881—1955)
Кристиан Рольфс (1849—1938)
Жорж Руо (1871—1958)
Хаим Сутин (1893—1943)
Эрих Хеккель (1883—1970)
Осип Цадкин (1890—1967)
Эгон Шиле (1890—1918)
Карл Шмидт-Ротлуф (1884—1976)
Алексей фон Явленский (1864—1941)
Конрад Феликсмюллер (1897—1977)
Вильгельм Моргнер (1891—1917)
Густав Климт (1862-1918)
Фрида Кало (1907-1954)

Кубизм

Направление

В «кристаллической» манере письма М. А. Врубеля часто находят предчувствия кубизма.

Подлинным первооткрывателем кубизма является предприниматель и коллекционер С. И. Щукин, привёзший в Москву ранние кубистские опыты Пикассо.

В целом же русский кубизм был сугубо переходным явлением, своего рода «школой авангарда». Большинство мастеров, составивших ядро «Бубнового валета» (в том числе П. П. Кончаловский, А. В. Куприн, И. И. Машков, Р. Р. Фальк), не пошло дальше раннего, «сезаннистского» этапа, самобытно и красочно его обогатив. Художники же настроенные более радикально (К. С. Малевич, В. Е. Татлин и др.) быстро перешли к кубофутуризму, честолюбиво выдвигая его в противовес кубизму в качестве более передового и уже свободного от французских влияний метода.

Однако и позднее, в свой витебский период (1919-1922) Малевич утверждал: «Если ты стремишься изучать искусство, то изучай кубизм».

Кубизм (от французского слова куб) - направление в живописи возникшее в начале 20 века, которое характеризуется использованием геометрическим фигур и форм, угловатой манерой письма.

Прежде всего это направление связывают с творчеством двух художников Пабло Пикассо и Жоржа Брака. Термин появился после того как французский критик Луи Восель посетил выставку работ художников-кубистов и назвал их «кубическими причудами». История развития этого направления можно разделить на три этапа:

Этапы кубизма

Сезановский (1907-1909),

Аналитический (1909-1912)

Синтетический (1913-1914)

Для первого этапа характерен грубый, массивный стиль с преобладанием коричневых, зеленых и желтых оттенков. Человек, природа, окружающие пространство принимают форму крупных геометрических фигур слитых воедино. Именно в такой манере создавал свои картины Сезанн, но спустя некоторое время художники стали больше склоняться к более мелким фигурам, как средсву передать свое видение окружающего мира.

Портрет Амбруаза Воллара, написан Пабло Пикассо в 1910 году

Аналитический кубизм отходит от принятых угловатых и массивных форм и линий, объект делится на мелкие грани, которые чётко отделены друг от друга. В это время кубизм больше интегрируется с другими течениями в европейской живописи. При этом оказывая на них большое влияние. В Чехии того времени даже появился стиль архитектурного кубизма, которой доминировал довольно долгое время.

"Скрипка и подсвечник", Жорж Брак, 1910 год.

В синтетическом кубизме выделяются два художника Пикассо и Брак. Объемность и массивность пространства уступает место реальным материалам: вырезкам из газет журналов, кусочкам ткани и прочим подручным предметам. Большое значение придается надписям и тексту. Так Пикассо создал картину полностью состоящею из газетных заголовках о катастрофах. Таким образом картины заменяются рельефными коллажами.

"Арлекин с гитарой", Хуан Грис, 1919 год

Позже многие художники перешли в другие течения, открыли для себя новые художественные горизонты, но кубизм оставил значительный отпечаток в их творчестве и в мировом искусстве.

Характерные черты кубизма

Художники отказались от пропорций и привычных перспектив, которые использовались в живописи со времен эпохи Возрождения, они также отвергли реалистичное моделирование объектов.

Кубисты изображали свободные формы, причудливое построение фигур и предметов, как бы пропускали через объекты потоки света и стремились показать объект с разных ракурсов. Некоторые исследователи искусства утверждают, что эти нововведения представляли собой ответ на изменение материи пространства, центробежные силы движения и времени в современном мире.

Для кубистов также характерно было использование посторенних предметов в создании творческих объектов. Так например, для своих картин многие использовали вырезки из газет и составляли своеобразные коллажи, тем самым подчеркивая связь между своим творчеством и трагичными событиями в жизни общества – последствиями Первой мировой войны.

1. Введение.

2. Зарождение кубизма.

3. Новаторство кубистов.

4. Творчество Жоржа Брака.

5. Пабло Руис Пикассо.

5.1. Образование. Барселона.

5.2. Первые поездки в Париж. "Голубой" и "розовый" периоды.

5.3. Накануне кубизма.

5.4. Кубизм.

5.5. Дальнейшая жизнь и творчество.

5.6. “Авиньонские девицы”.

6. Поэты кубизма.

7. Влияние кубизма на искусство.

8. Кубизм в России.

9. Художник Казимир Малевич.

10. Заключение.

11. Список использованной литературы.

«Надо уметь выбирать. Одна

и та же вещь не может быть

и правдивой, и правдоподобной».

Жорж Брак

1. Введение.

Кyбизм - (фpaнц. cubisme, oт cube - кyб) направление в искусстве первой чeтвepти XX вeкa. Плacтичecкий язык кубизма основывался нa деформации и разложении предметов нa геометрические плоскости, пластическом сдвиге фopмы.

Кубизм отрицает изображение предметов в том виде, как мы их представляем. Он стремится найти способ выражения их сути. Кубизм низводит формы до основных геометрических схем, раскладывает предметы на составные части и объединяет их в абстрактное целое плоского декоративного изображения.

Пабло Пикассо, одному из первых художников-кубистов, принадлежат следующие слова: «Я пишу объекты такими, как я их мыслю, а не такими, как я их вижу». Ведь в действительности, когда мы смотрим на человеческое лицо в профиль, мы видим лишь один глаз, одну бровь. И воспринимаем объект во всей целости, домысливая, что у него, конечно же, есть и второй глаз. На кубистическом же портрете, будь то фас или профиль, объект предстает перед нами увиденный автором сразу с нескольких точек. Автор совмещает их в одном образе. Свои первые шаги художники кубисты делали именно в жанрах портрета, натюрморта, пейзажа. Как правило, это были монохромные полотна.

Многие русские художники прошли через увлечение кубизмом, часто соединяя его принципы с приемами других современных художественных направлений - футуризма и примитивизма. специфическим вариантом интерпретации кубизма на русской почве стал кyбoфyтypизм.

Влияние кубизма в изобразительном искусстве продолжалось до 1960-х годов. К русским кубофутуристам можно отнести К. Малевича с его знаменитой картиной "Черный квадрат"

В своей работе я расскажу об истоках этого направления в искусстве, о выдающихся художниках кубизма, остановившись подробно на творчестве Жоржа Брака и Пабло Пикассо, а так же российского художника Казимира Малевича; уделю большое внимание картине Пикассо «Авиньонские девицы», а так же постараюсь увидеть мир глазами этих загадочных и притягательных мастеров своего загадочного и притягательного искусства.

2. Зарождение кубизма.

С середины XIX века отход от господствующей в это время в изобразительном искусстве натуралистической традиции резко ускоряется. Живопись, графика, скульптура обращаются к тому, что недоступно прямому (“буквальному”) воспроизведению. Отработка новых изобразительных средств, стремление к типизации, повышенной экспрессии, созданию универсальных символов,

сжатых пластических формул направлены, с одной стороны, на отображение внутреннего мира человека, его состояния (психического, эмоционального), с другой – на усиление выразительности, информативности “телесной” структуры вещей, обновление видения предметного мира вплоть до задачи создания “самостоятельного живописного (изобразительного) факта”, конструирования “новой реальности”.

Женская стоящая фигура. П.Пикассо. 1907 год

Последняя выставка импрессионистов в 1886 г. знаменует конец классического периода европейского искусства. Начиная с этого времени в европейской живописи одно за другим возникают многочисленные течения, существующие более или менее длительное время: югендстиль, экс-прессионизм, неоимпрессионизм, пуантилизм, символизм, кубизм, фовизм.
“В анархии эмоциональных ценностей в конце прошлого века, – писал австрийский живописец Вольфганг Паален, – люди, обратившиеся к искусству как к последнему прибежищу, начинают понимать, что внутренняя природа вещей так же значительна, как и внешняя. Вот почему Сёра, Сезанн, Ван Гог и Гоген открывают новую эру в живописи: Сёра – своим стремлением к структурному единству, к объективному методу, Ван Гог – своим цветом, который перестает играть описательную роль, Гоген – смелым выходом за рамки западной эстетики и особенно Сезанн – решением пространственных задач”. Паален сжато охарактеризовал важнейшие этапы художественного процесса, непосредственно предшествовавшие открытию примитивного искусства и тому перелому, который намечается в европейском искусстве около 1907 г.

1907 год считается поворотным в отношении к традиционному, в первую очередь африканскому искусству, вместе с тем это рубеж, от которого берут начало новейшие художественные направления. 1906 год – год смерти Сезанна – знаменует начало особенно глубокого его влияния на целое поколение художников. Позднее этот период был назван историками искусства “сезанновским”, или “негритянским”.

Анализируя творчество Сезанна и в особенности его последние работы, в которых он ближе всего подходит к решению поставленных пространственных задач, сопоставляя их с наиболее характерными образцами африканской пластики, являющими подчас идеальные примеры воплощения этих пространственных решений, можно с уверенностью сказать, что именно творчество Сезанна стало последним и, возможно, решающим в ряду факторов, заставивших по-новому взглянуть на примитивное искусство.

Осязаемая весомость образов, которой стремился достичь Сезанн, пытаясь посредством выявления ритмических, геометрических структур проникнуть в сущность вещей и явлений и отобразить эту сущность, составляет, по общему признанию, основное качество африканской пластики. Таким образом, творчество Сезанна, бывшее логическим результатом всего предшествующего развития европейской живописи, в известном смысле близкое к творчеству Ван Гога, Гогена и Сёра, сыграло решающую роль в создании объективных условий, при которых африканское искусство было включено в мировой художественный процесс.

Наступает момент совместимости: чужеродная эстетическая система не только признана, но и “взята на вооружение” художественной практикой. Более того, примитивное искусство само стало инструментом открытия, и в этом глубинная суть рассматриваемого процесса. Оно открыло глаза художникам, обнаружившим там, где они меньше всего ожидали, новую систему художественных ценностей, принципиально отличную от той, которой тысячелетиями следовало европейское искусство.

Таким образом, в основу концепции кубизма легла “языческая” культура, которая в свое время вызвала к жизни искусство античности, а позднее дала новые ростки в эпоху Возрождения. Она освобождала художественное творчество от салонной легковесности, возвращала его к раскрытию сущности вещей и явлений, делая искусство в соответствии с тенденцией времени инструментом познания. В своих последовательных проявлениях новое течение, условно получившее название “кубизм”, явило зрителям структуры, как бы обнажающие скелеты предметов.

Ощущения зрителя, оказавшегося на выставке перед полотнами кубистов, можно сравнить с ощущениями человека, собравшегося совершить приятное путешествие, а вместо этого получившего приглашение участвовать в прокладке новых путей.

Реакция публики доказывала, что переход к новому направлению произошел скачкообразно, несмотря на длительный подготовительный период, за время которого столичный европейский зритель должен был бы значительно расширить свой кругозор. После признания Ван Гога уже нельзя было считать гладкопись и натуралистичность цвета непременным условием “хорошей живописи”; жизнь и работы Гогена привлекли внимание к “примитивным” культурам и научили видеть не столько их незрелость, сколько качественно иное их состояние, предполагавшее немало ценного и поучительного; творчество Сёра явило пример возможности использования научных методов для решения художественных проблем; наконец, творческий метод Сезанна, особенно техника его последних работ, столь близкая к технике ранних кубистских работ Брака, казалось, должна была способствовать если не пониманию, то хотя бы признанию права на существование этого эксперимента, который называют самым смелым в истории искусства. И все же работы Брака, как и последующие работы кубистов, были отвергнуты жюри и стали надолго мишенью критики и предметом скандала для широкой публики.

Новое направление в изобразительном искусстве и литературе, родившееся в эпоху открытия “l’art negre” (искусство негров) и тесно с ним связанное, безусловно, не было единственным горнилом, где создавался сплав новой художественной культуры.

Связь кубизма с открытием африканской скульптуры очевидна. Хотя вопрос, кто именно является первооткрывателем африканской скульптуры, остается спорным, ни у кого не вызывает сомнений, что ее урок впервые был основательно воспринят молодым, но уже достаточно известным в то время испанским живописцем Пабло Пикассо.

3. Новаторство кубистов.

Если живопись импрессионистов провозгласила условный характер цвета, то кубисты выразили новый подход к реальности через условный характер пространства. Ж. Брак писал: “не нужно даже пытаться

подражать вещам, которые преходящи и постоянно меняются, и которые мы ошибочно принимаем за нечто неизменное”. Американский искусствовед Дж.Голдинг писал, что кубизм – “самая полная и радикальная художественная революция со времен Ренессанса”.

Хуан Грис. Ваза с фруктами и графин. 1914 год.

Это течение одним из первых воплотило ведущие тенденции дальнейшего развития искусства ХХ века. Одной из этих тенденций стало доминирование концепции над художественной самоценностью картины. Еще Гегелем (1770-1831гг.) было замечено, что искусство нового времени все более проникается рефлексией, образное мышление вытесняется абстрактным, так что грань между искусствоведением и практическим творчеством становится слишком тонкой. Если в кубизме эта тенденция присутствовала в зачаточном состоянии, то в искусстве постмодернизма она становится довлеющей.

Кубизм - модернистское течение в искусстве, в большей степени в живописи, иногда в скульптуре и архитектуре, которое заставило художников по-другому посмотреть на примитивное искусство. Особенностью кубизма является то, что он, в отличие от классического искусства, не основывается на имитации.

Кубизм в живописи

Картины кубистов всегда легко узнаваемы благодаря их плоскому, двумерному виду. В этом стиле применяется стандартная цвето- и световоздушная среда и довольно простая линейная перспектива: кубистические картины характеризуются обилием геометрических форм, линий и острых углов, а также преднамеренно скромной, нейтральной цветовой гаммой.

В отличие от традиционных натюрмортов, пейзажей или портретов, кубистические картины не должны выглядеть реалистично. Вместо того, чтобы рассматривать объект с одного возможного угла, художник как бы дробит изображение на части, а затем уже складывает вместе фрагменты с разных выгодных точек обзора в одну картину.

Многие считают, что кубизм - некое ответвление абстракционизма , в то время как он является таким же самодостаточным направлением авангардного искусства.

Стадии кубизма

Как правило, выделяют две основные стадии стиля кубизм: аналитический и синтетический.

• В аналитическом кубизме художник пытается представить более полное, детализированное пояснение объекта, нарушая барьеры пространства и времени. Он разбивает предмет на отдельные блоки и реконструирует его согласно собственному видению. Именно такой вид кубизма обычно приходит на ум, когда люди думают про картины в этом стиле.

• Синтетический кубизм - естественное продолжение аналитического кубизма, берущее начало в 1912 году. Он заключается в том, что на основе картины формируется коллаж из отдельных частей, обычно с использованием газет, цветной бумаги и т. д. Эти части представляют собой разные блоки изображаемого объекта. Но нередко художники не составляли коллаж, используя дополнительные материалы, а полностью рисовали его.

Кубизм: художники

Наиболее известной фигурой в направлении кубизм является испанский художник Пабло Пикассо; именно он - основоположник кубизма, наравне с французским кубистом Жоржем Браком.

Возникло это направление во Франции, в 1906-1907 годы. Название направления появилось благодаря французскому художественному критику Луи Вокселю, который в 1908 году описал серию картин Жоржа Брака (изображения деревьев и гор в виде кубов и пирамид) как «кубические причуды».

Другие представители кубизма: Хуан Грис, Марсель Дюшан, Фернан Леже. Однако не все работы этих художников выполнены строго в стиле кубизм; чаще всего они включают в себя элементы и других направлений.

Известные картины в стиле кубизм

Жорж Брак, «Мандора» (1909-1910)

Это пример ранней живописи в стиле кубизм - его аналитической стадии. Брак решает отказаться от написания пейзажных сюжетов и остановиться на натюрмортах. На картине изображен музыкальный инструмент - маленькая лютня под названием мандора.

Нейтральная цветовая гамма картины является индикатором первых попыток Жоржа Брака в создании разных взглядов на один и тот же предмет - художник экспериментировал скорее с композицией и репрезентацией музыкального инструмента, чем с яркими цветами.

Пабло Пикассо, «Три музыканта в масках» (1921)

Хотя основной период кубизма в творчестве Пикассо приходится на 1909-1917 годы, в 1921-м, незадолго до погружения в сюрреализм , он пишет эту кубистическую картину. Ее интерпретируют как ностальгические воспоминания художника о былых временах: в центре картины сидит сам Пикассо, переодетый в Арлекина, и по обе стороны от него сидят старые друзья: Гийом Аполлинер (в костюме Пьеро), который умер в 1918 году, и Макс Жакоб (монах), с которым Пикассо перестал поддерживать связь.

Картина представляет собой квинтэссенцию синтетического кубизма. Фигуры персонажей выглядят так, будто бы они приклеены на полотно, отдельно одна от другой.

Увидеть эту работу можно в Художественном музее Филадельфии.

Хуан Грис, «Фантомас» (1915)

Хуан Грис разработал технику коллажирования, при которой он вставлял элементы из газет и журналов в абстрактную живопись. Иногда это бывали настоящие коллажи, а иногда — картины этих коллажей. В этой технике выполнена работа «Фантомас».

Она изображает вид сверху на деревянную столешницу, заваленную периодическими изданиями, включая роман из популярной криминальной серии под названием «Фантомас». Так, Грис стал первым кубистом, использовавшим яркий цвет и свет в своих работах, что впоследствии вдохновило Пикассо и Брака на синтетический кубизм.

Находится эта картина в Национальной галерее искусства в Вашингтоне, США.

Фернан Леже, «Дама в голубом» (1912)

Леже демонстрирует ранний интерес к геометрической абстракции, которая словно плавает внутри холста. Элементы произведения раздроблены на отдельные части, чтобы передать впечатление художника от современной жизни - таким образом Леже хотел выразить суть характера главного персонажа картины, женщины, а не ее внешний облик.

Увидеть эту работу можно в Базельском художественном музее в Швейцарии.

Видео, раскрывающее историю жизни художника Пабло Пикассо, можно посмотреть далее:

Забирай себе, расскажи друзьям!

Читайте также на нашем сайте:

Показать еще